Nanae Mitobe :Study of Dansaekhwa / Dansaekhwa

한국어는 여기
“Dansaekhwa” is a painting style practiced by Korean artists in the 1970s, referring to monochrome painting. However, it is not only a visual expression, but also features a variety of forms and materials, such as spirit and performance.

Mitobe learned of Dansaekhwa during the residency program at the Youngeun Museum of Contemporary Art in Gwangju, Gyunggi-do, South Korea, from late 2024 to 2025. She has exhibited many impressive paintings with a wide range of colors and heavily textured paints, but now that she has gained a deeper appreciation of Dansaekhwa, she is enthusiastic about the new challenge, saying, “I think I can express what I want to convey more strongly by narrowing down the numbers of colors.

In this exhibition, in addition to the new attempt to narrow down the colors, she will create more intense works that speak to the viewer both materially and physically. During this residency, she has been working on about 50 abstracted figurative paintings, gradually and steadily reducing the colors to aim for her own interpretation of Dansaekhwa.

---

First phase：Study of Dansaekhwa
March 5 (Wed) - March 16 (Sun)

---

---

Second phase：Dansaekhwa
March 21 (Fri) - April 20 (Sun)

---

---

Profile

---

Nanae Mitobe
Born in Kanagawa, japan. Painter. Currently based in Vienna and Japan, she graduated from Nagoya Zokei University in 2011 and studied under painter Shigeru Hasegawa. 2022-2023: Exchange student at the Academy of Fine Arts Vienna under Alastair Mackinven. Graduate student at Tokyo University of the Arts under painter Masato Kobayashi. In 2024.
Recent exhibitions include “Private View of Japanese Contemporary Art, Ryutaro Takahashi Collection” (2024, Museum of Contemporary Art Tokyo), solo exhibition “People Have The Power” (2024, DIESEL ART GALLERY, Tokyo), solo exhibition “Green and Red” (2023, GUCCI NAMIKI, Tokyo), solo exhibition ” project N 85 Nanae Mitobe” (2022, Tokyo Opera City), “VOCA” (2021, Ueno Royal Museum, Tokyo), “APMoA, ARCH vol.18 DEPTH -Blue Pigment-” (2016, Aichi Prefectural Museum of Art), and others. In addition to these, she has an extensive exhibition history and works in various collections.

Nanae Mitobe’s Study of Dansaekhwa

Choi, Junghee Chief Curator, Youngeun Museum of Contemporary Art

Nanae Mitobe is young painter already well-known in Japan, but as a Korean curator I did not come across her until she was invited to our artist-in-residence programme at Youngeun Museum. The impressions I had gathered through visual information before our meeting were of someone with unique creative processes, rich individuality, and strong sensory awareness. Interestingly, she did not come with any of her own work, so I had the odd experience of seeing huge deliveries of pigment and materials to her before actually seeing any of completed pictures. As the Youngeun programme organiser, this provided me with some exceptional and unforgettable experiences, and it greatly helped me understand Mitobe’s working method. The weightiness of her pigments far exceeds that of the canvas. The extreme thickness and three-dimensional materiality make it look as if her picture planes were not so much painted, as carved. This indeed constitutes the primary feature of her art.

To make these thick surfaces, Mitobe puts on gloves, applying colour to canvas like a boxer. She more often uses pallet knives than brushes, as she paints with rough, abstract gestures. However, she combines this with subtle balances of delicately expressed forms, intuitiveness of compositions, and a harmonious colour. It is immediately clear that she possesses innate talent. A further deepening of Mitobe’s paintings lies in the stories and messages lurking behind the surfaces. She has a longstanding preoccupation with the human face. Her work contains notes of rebellion against the problems caused by appearances, or by the colour of a person’s skin. She addresses a social issue that is relevant to many countries. Such was Mitobe’s background when she came to Korea. Once there, she became greatly impressed by Dansaekhwa.

The word Dansaekhwa has been written in either hangul and roman letters since 2012 to denote work comprehensively in monochrome, minimalist and abstract, which is found in Korean contemporary art. Dansaekhwa artists emphasise both materiality and action, which are also strong in Mitobe’s creative process. She began a close study of Dansaekhwa while our artist-in-residence, taking monochrome as her mode. She painted abstract objects or figures in monochrome using Korean-made canvases. While engaged in these formal experiments, she also used her East-Asian standpoint to challenge preconceptions on Dansaekhwa, notably that it imitates Europe.

Since she returned home at the end of her three-month residency Mitobe has been engaged in monochrome painting rather different from what she did in Korea. These new works will be exhibited at her solo show to open in Tokyo this March. An interesting point of comparison is “Ha-Chong Hyun 5975”, which opened in February at the Art Sonje Center, Seoul, and runs until April. It overviews the early work of a leading figure in Dansaekhwa, Ha-Chong Hyun. While viewing it, Nanae Mitobe’s new work was constantly in my mind. The distance from Korea to Japan makes it impossible to see the Tokyo paintings, and they exist for me more in the imagination. But I somehow saw Mitobe’s work in art made by Ha-Chong Hyun over 50 years ago. The two artists are different on the surface, but the sensations I derived from Ha-Chong Hyun’s from-the-back method (where he extruded pigment from the reverse of a canvas) have much in common with what I feel from Mitobe. The Ha-Chong Hyun show exhibits pieces from 1959, when he graduated, to 1975, after he began his “Conjunction” series. Items are divided into four distinct periods so as to focus on how he developed, in keeping with social changes, such as post-War confusion to urbanization. This reminded me of how Mitobe’s work breathes current issues, and as such, constantly renews itself. How might her work evolve going forward? Like Mitobe, I am an artist as well as working in the art industry, and I am interested in the same social issues that concern her. I will be paying close attention to her future developments, with eager expectation.

*This technique is unique to Ha-Chong Hyun.　

미토베 나나에의 단색화 연구

최정희(영은미술관 학예실장)

일본의 젊은 회화 작가 미토베 나나에는 일본 국내에서는 이미 꽤 유명한 화가이지만 한국의 큐레이터인 나는 내가 근무하는 영은미술관 레지던시 프로그램을 통해 작가와 작품을 처음 알게 되었다. 작가를 만나기 전 이미지자료로 먼저 접한 작업의 느낌은 “정말 독특하고 개성 있는, 감각적인 작품이다“라는 것이었고, 작가가 레지던시 프로그램에 작품을 가져오지는 않았기 때문에 나는 작가의 완성작을 실물로 보기 전, 작가에게 배달되어 오는 작업 재료(엄청난 양의 물감)를 더 먼저 ‘실제로’ 접하는 경험을 했다. 그리고 그것은 기획자로서 참 드물게 인상적인 경험이 되었고 작가의 고유한 작업을 이해하는 데에 큰 도움이 되었다. 미토베상이 사용하는 물감의 무게는 대체로 그 그림의 캔버스보다도 훨씬 무겁기 때문이다. 엄청나게 두꺼운 표면과 부조와도 같은 입체적인 마띠에르가 작가 작업의 대표적인 특징 중 하나이다.

두꺼운 표면 작업을 위해 작가는 장갑을 낀 손을 이용해 복서와도 같은 동작으로 캔버스를 칠해나가기도 하고 붓보다는 나이프를 더 많이 쓰기도 하면서 굉장히 거칠고 추상화된 터치를 보여준다. 하지만 그러면서도 전혀 무디지 않은 형태적 표현, 감각적인 화면 구성과 색채의 조화로운 안배는 작가의 타고난 재능을 한번에 읽어낼 수 있게끔 한다. 하지만 이에 더해 그의 작업을 한층 더 깊이 있게 하는 것은 그 너머에 담긴 이야기와 메시지들이다. 주로 얼굴을 소재로 작업해 온 작가는 외모나 피부색 등으로 인해 일어나는 문제들에 대해 일종의 반기를 드는 메시지를 많이 전했으며, 여러 국가에서 일어나는 사회적인 이슈들을 작품의 소재로 다루기도 하였다. 그러한 그가 이번에 한국에 와서 인상 깊게 접한 소재는 바로 ‘단색화‘였다.

단색화는 한국 현대미술에서 단색조의 미니멀리즘계 추상 회화 작품들을 아우르는 말로, 2012년 이후 한국어 명칭 ‘단색화’와 영문표기 ‘Dansaekhwa’가 함께 사용되고 있다. 단색화에서 강조되는 물질성과 행위성은 나나에의 작업에서도 중요한 포인트들로, 이를 보다 세밀히 대입해 연구해보고자 영은미술관의 레지던시 기간 동안 작업 및 전시의 주제로 삼았다. 한국에서 제작한 캔버스에 모노크롬 계열로 추상화한 인물과 오브제들을 그려 나갔으며, 단색화에서 영감을 받은 형식적인 실험 외에도 작가는 같은 동아시아 작가로서 단색화가 서구의 모방이라는 일각의 의견에 대한 의문도 함께 내보이고자 하였다.

3개월의 레지던시 프로그램이 끝나고 일본으로 돌아간 작가는 이번 3월 도쿄에서의 개인전을 준비하며 한국에서와는 또 다른 해석의 단색화 작업들을 진행하였고, 이번 전시에서 아울러 선보이게 된다. 한편, 2025년 2월 현재 서울의 아트선재센터에서는 단색화의 대표 작가인 하종현의 초기작을 조망하는 <하종현 5975>전이 열리고 있으며 4월까지 이어진다. 이 전시를 찾아 관람하는 내내 나는 도쿄의 미토베상 작업들을 떠올렸다. 한국과 일본이라는 먼 거리를 이유로 실견하지는 못하고 이미지로 접한 근작들의 실제 느낌을 제작된 지 50년이 훌쩍 지난 하종현의 작품들을 보며 상상해 보게 된 것이다. 두 작가의 작품은 일견 다른 인상으로 보여질 수 있지만, 하종현의 배압법(캔버스의 뒤편에서부터 물감을 밀어내어 물질을 강조한 기법)에서 느껴지는 감각은 미토베상의 작품을 관람할 때의 감각과 분명한 공통점이 느껴졌다. 더불어, 이번 하종현 전시는 작가가 대학교를 졸업하던 해인 1959년부터 대표 시리즈인 접합 연작이 탄생하게 된 직후인 1975년까지를 네 개의 시기로 나누어 선보이고 있는데 전후의 혼란, 도시화 등 각각의 시대적 배경과 어떻게 상호작용하며 발전했는지를 조망하고 있기 때문에 끊임없이 세상의 이슈들과 호흡하며 변화해 나가는 미토베상의 작업 경향을 또 한번 떠올리게끔 하였다. 미토베 작가의 앞으로의 작업은 또 어떻게 변화하고 발전해 나갈 것인가. 앞으로도 꾸준히 기대감과 함께 바라보게 될 것이다. 또한 그가 건드리는 이슈들도 같은 미술인으로서, 또 같은 동아시아의 미술 종사자로서 주의 깊게 주목하게 될 것이다.